Chủ nghĩa Lập thể là gì?
Chủ nghĩa Lập thể (Cubism) là một phong trào nghệ thuật tiên phong, được đặc trưng bởi việc phân rã hình thức thành các hình dạng hình học đến mức mà biểu diễn đối diện với trừu tượng. Thường thì điều này tạo ra một hiệu ứng bất an và kết quả là sự thành lập nhiều quan điểm trong một tác phẩm duy nhất. Ban đầu, điều này được thực hiện trên bề mặt hai chiều phẳng, nhưng sau đó đã bao gồm cả ba chiều.
Phong trào này thường được coi là bắt đầu vào khoảng giữa thập kỷ đầu của thế kỷ 20 tại Paris, trong các phòng làm việc của Georges Braque và Pablo Picasso, những người cũng đã hợp tác với nhau. Tùy thuộc vào cách giải thích của nhà sử học nghệ thuật, phong trào kéo dài từ khoảng năm 1905 cho đến ít nhất là Thế chiến thứ nhất, với một số ý kiến cho rằng nó vẫn ở tuyến đầu của nghệ thuật tiên phong vào những năm 1920. Thực vậy, một số họa sĩ Cubism vẫn kiên trì với thẩm mỹ của phong trào này cho đến tận những năm 1930.
Pablo Picasso, “Người Thơ”, 1911, sơn dầu trên vải lanh, kích thước 51 5/8 x 35 1/4 inch, Bộ sưu tập Guggenheim, Venice.
Georges Braque, “Chân Dung Người Phụ Nữ”, 1910, sơn dầu trên vải, kích thước 35.8 x 24 inch, sưu tập riêng.
Nói chung, trong phong trào Lập thể có hai trường phái: trường phái hợp tác của Picasso/Braque và các họa sĩ Cubism của Salon. Nhóm sau này bắt đầu trưng bày rộng rãi tại Paris từ khoảng năm 1911. Từ lịch sử nghệ thuật của trường phái đầu tiên (của Picasso và Braque), hai giai đoạn được cho là định nghĩa sự tiến hóa của phong trào Cubism: giai đoạn phân tích và giai đoạn tổng hợp. Tuy nhiên, đã có những cách hiểu khác được đề xuất để hiểu rõ hơn về sự phát triển của Cubism.
Từ giữa đến cuối thế kỷ 19, những đổi mới mà ngày nay chúng ta coi là cách mạng trong nghệ thuật đã bắt đầu phát triển với sự ra đời của Chủ nghĩa Ấn tượng, cùng nhiều phong trào khác sau này, tại Pháp. Tuy nhiên, ảnh hưởng của họa sĩ Paul Cézanne lại là đáng kể nhất đối với toàn bộ phong trào Cubism. Động lực này trong việc tìm kiếm sự mới lạ về mặt hình ảnh giữa các nghệ sĩ đã tiếp tục kéo dài vào đầu thế kỷ 20. Đồng thời, cùng với xu hướng tiến tới hiện đại, còn có nguồn cảm hứng từ các tác phẩm nghệ thuật cổ của các nền văn hóa ngoài châu Âu.
Một số họa sĩ lớn của phong trào Cubism bao gồm các nhà tiên phong như Pablo Picasso và Georges Braque, Jean Metzinger, Albert Gleizes, Juan Gris, Robert Delaunay và Fernand Leger.
Một vài tác phẩm nghệ thuật chính liên quan đến Cubism bao gồm “Les Desmoiselles d’Avignon”, “Guernica”, và “The Weeping Woman” của Pablo Picasso, “Cubist Self-Portrait” của Salvador Dali, và “Portrait of Pablo Picasso” của Juan Gris.
Ở các phần dưới đây, chúng ta sẽ trình bày lịch sử của chủ nghĩa Lập thể; ảnh hưởng của Paul Cézanne đối với các nghệ sĩ Cubist; các đặc điểm của nghệ thuật Cubist; mô tả một số nghệ sĩ hàng đầu của phong trào cũng như một số tác phẩm nghệ thuật chính; so sánh thẩm mỹ tương ứng của Cubism với các phong trào nghệ thuật như Chủ nghĩa Siêu thực, Chủ nghĩa Ấn tượng, và Chủ nghĩa Tương lai; và mô tả những phong trào nghệ thuật nào đã ảnh hưởng và bị ảnh hưởng bởi nghệ thuật Cubist.
Lịch sử của Chủ nghĩa Lập thể
Ngày sáng tác của bức tranh Cubism đầu tiên vẫn còn là đề tài gây tranh cãi, nhưng điều có thể khẳng định là vào khoảng năm 1907 và 1908, những tác phẩm này đã được Georges Braque và Pablo Picasso tạo ra tại Montmartre, Paris. Không thể xác định chắc chắn rằng ai trong hai họa sĩ này là người khởi xướng duy nhất, do họ đã có sự hợp tác chặt chẽ trong các tác phẩm Cubism của mình.
Pablo Picasso, “Les Demoiselles d’Avignon”, 1907, sơn dầu trên vải, kích thước 96 x 92 inch, Bảo tàng Nghệ thuật Hiện đại, New York.
Những bức tranh Cubist đầu tiên tiếp nối tác phẩm Proto-Cubist “Les Desmoiselles d’Avignon” của Pablo Picasso thuộc về những gì được gọi là Cubism phân tích. Cubism phân tích được đặc trưng bởi sự phân mảnh không gian tranh, hay việc phá vỡ các đối tượng được miêu tả. Trong trường hợp này, các đối tượng và không gian tranh được phân tách hoặc ‘phân tích’ theo cách thức nhằm cung cấp cho người xem một cái nhìn ba chiều hoặc các cái nhìn trên bề mặt hai chiều.
Vào cuối giai đoạn phân tích của Cubism vào khoảng năm 1911-1912, giai đoạn được gọi là ‘tổng hợp’ đã bắt đầu. Cubism tổng hợp được đánh dấu bởi việc sử dụng papier collé và các yếu tố của collage. Papier collé là một dạng của collage, nơi mà các mảnh giấy được dán lên bề mặt phẳng như một phần của bố cục. Collage không chỉ bao gồm điều này mà còn đề cập đến việc dùng các vật liệu khác ngoài giấy được dán lên bề mặt.
Cubism tổng hợp bao gồm các tác phẩm như “Glass and a Bottle of Suze” của Pablo Picasso vào năm 1912, sử dụng giấy dán, nhãn và bìa cứng; cũng như “Still Life on a Table” của Georges Braque từ năm 1913, trong đó sử dụng giấy dán cùng với bút chì, gouache, than và mực truyền thống hơn.
Pablo Picasso, “Ly và Chai Suze”, 1912, than, gouache, collage và bìa cứng, kích thước 25 x 20 inch, Phòng Trưng Bày Nghệ Thuật Washington, St. Louis.
Cubism tổng hợp đã kết nối giới nghệ thuật cao cấp với những thứ tầm thường, tái sử dụng những vật liệu dường như không giá trị từ cuộc sống hàng ngày. Vì vậy, nó đã thách thức quan niệm truyền thống về giá trị của tác phẩm nghệ thuật.
Phong trào Cubism không kết thúc một cách gọn gàng theo một mốc thời gian nào đó để thuận tiện cho các nhà sử học nghệ thuật. Tuy nhiên, thời kỳ phát triển mạnh mẽ nhất của nó có thể được xác định từ khoảng năm 1910 hoặc 1911 cho đến những năm 1920. Tuy nhiên, Pablo Picasso, một trong những người khởi xướng, đã quay lại với phong cách này nhiều lần sau những năm 1920, khi vai trò tiên phong của nó không còn nữa. Vào những năm 1920, những hướng đi mới trong nghệ thuật như Chủ nghĩa Tương lai và Chủ nghĩa Siêu thực đã xuất hiện, lấy cảm hứng từ Cubism nhưng theo đuổi thẩm mỹ riêng biệt và trở thành những người dẫn đầu trong sự đổi mới sáng tạo.
Đặc điểm của chủ nghĩa lập thể
Lập thể mang những đặc trưng bao gồm: mặt phẳng tranh bị vỡ, đa quan điểm, hiệu ứng ba chiều, phương pháp phân tích và tổng hợp, cùng với sự đồng thời trong biểu hiện.
Mặt phẳng tranh bị phá vỡ
Thêm một đoạn văn bản ở đây. Nhấp vào ô văn bản để tùy chỉnh nội dung, phong cách phông chữ và màu sắc của đoạn văn của bạn.
Mặt phẳng tranh bị phá vỡ trong Cubism tránh xa bề mặt phẳng và kết thúc bóng bẩy của nghệ thuật Học viện thế kỷ 19. Các hình thức Cubist dường như xen kẽ nhô ra vào thế giới của người xem và lùi lại từ đó. Không có sự nhất quán ‘toàn diện’ về kết cấu, với các hình thức bị phân mảnh trong mối quan hệ cú pháp với các khoảng trống và sự thiếu sót của không gian.
Đa quan điểm
Đa quan điểm của Cubism đã lật đổ quan điểm đơn điểm đã trở thành quy ước nghệ thuật kể từ thời Phục hưng. Mặc dù các họa sĩ trước đây như Manet và Cézanne cũng từ chối quan điểm tuyến tính, nhưng các Cubist đã làm điều này theo cách riêng biệt với sự phân tích không gian và đối tượng của họ cho phép nhiều quan điểm không chỉ của đối tượng ngay lập tức mà còn trong mỗi mặt phẳng và góc tạo nên nó.
Ba chiều
Biểu diễn ba chiều trong Cubism liên quan đến đa quan điểm của nó. Đối tượng hoặc hình dạng được vẽ với các khía cạnh sao cho chúng, và chính bức tranh, dường như sở hữu một sự vững chắc có thể sờ được bất chấp sự chuyển động liên tục của các quan điểm.
Phân tích và tổng hợp
Phân tích và tổng hợp trong Cubism liên quan đến quá trình xây dựng. Đối tượng Cubist không phải là như nó xuất hiện trong thế giới hiển hiện mà nó không chỉ đơn giản là bị phân chia (phân tích). Nó được chia thành các bộ phận và sau đó được tái lắp ráp (tổng hợp) để tái tưởng tượng nó.
Đồng thời
Tính đồng thời của Cubism liên quan đến thời gian. Các đối tượng một phần, dấu vết của bàn tay, các đầu được phân tích đều truyền tải sự mờ ảo của chuyển động và yêu cầu người xem trong thời gian và không gian của riêng mình để hoàn thiện nhận thức toàn diện về tác phẩm. Giống như cách các tác phẩm này thể hiện sự hội tụ của các góc độ, hình dạng và kết cấu khác nhau, chúng cũng đánh dấu sự hội tụ của thời gian thông qua sự kết hợp của các ‘bộ phận chuyển động’ khác nhau của chúng.
Nghệ sĩ trường phái Lập thể
Pablo Picasso
Pablo Picasso (1881-1973) sinh ra ở Tây Ban Nha nhưng đã dành phần lớn cuộc đời làm việc tại Paris, nơi ông cùng với Georges Braque phát triển Cubism vào giữa thập kỷ đầu của thế kỷ 20. Picasso và Braque sau đó được coi là những người dẫn đầu phong trào nghệ thuật mới này, mặc dù họ hoạt động trong sự riêng tư dưới sự bảo trợ của nhà buôn nghệ thuật Daniel-Henry Kahnweiler trong những năm quan trọng này.
Chân dung tự họa với Áo choàng – PICASSO, Pablo – 1901
Cubism của Pablo Picasso trong giai đoạn phân tích của ông gần như không thể phân biệt được với của Georges Braque, vì họ đã làm việc chặt chẽ với nhau đến mức đó. Họ đã vẽ những nghiên cứu yên tĩnh về các hình thức được phân mảnh và tái lắp ráp trong không gian nông và với màu sắc trầm. Tuy nhiên, một điểm khác biệt có thể phát hiện giữa hai người là trong phương pháp tạo hình. Các hình thức phân tích của Picasso rõ ràng có tính điêu khắc và chắc chắn hơn, trong khi những hình thức của Braque lại mang tính không khí, hiện diện như một thứ gì đó mơ hồ, huyền ảo.
Tuy nhiên, về nguồn cảm hứng trực tiếp cho phong cách mới, bức tranh “Les Demoiselles d’Avignon” của Picasso năm 1907 có ý nghĩa đặc biệt. Hình ảnh đó chịu ảnh hưởng từ điêu khắc Iberia và mặt nạ châu Phi, nhưng Picasso trở thành người tiên phong của Cubism với các góc cạnh sắc nét và sự mất phương hướng về tỷ lệ và không gian.
Cubism của Pablo Picasso đã phát triển theo thời gian, từ giai đoạn phân tích sớm đến giai đoạn tổng hợp và sau đó là sự kết hợp của Cubism với các yếu tố Siêu thực không hợp lý. Từ các tĩnh vật phân tích và chân dung khi hợp tác với Georges Braque, hai nghệ sĩ đã bước vào giai đoạn của Cubism tổng hợp và sử dụng các vật liệu ngoài cuộc trong hội họa của họ. Giai đoạn này, một Cubism cảm giác hơn, đã đứng trên ranh giới giữa hội họa và điêu khắc cũng như giữa cái đẹp và cái thường nhật.
Georges Braque
Georges Braque, “Người Đàn Ông với Đàn Guitar”, sơn dầu trên vải, kích thước 46 x 32 inch, Bảo tàng Nghệ thuật Hiện đại, New York.
Georges Braque (1882-1963) đã dành phần lớn cuộc đời làm việc tại Paris. Cùng với Pablo Picasso, Braque đóng một vai trò quan trọng trong việc sáng lập ra phong cách Cubism mới trong thập kỷ đầu của những năm 1900.
Trong khi Picasso chịu ảnh hưởng từ nhiều nguồn khác nhau, từ điêu khắc Iberia, nghệ thuật châu Phi, đến Paul Cézanne, Georges Braque tập trung chủ yếu vào di sản thẩm mỹ của các quan điểm đa dạng của Cézanne. Trong Cubism của mình, Braque mang một phong thái bình tĩnh và suy tư hơn Picasso. Mặc dù vậy, trong giai đoạn Cubism phân tích, nơi mà sự ảnh hưởng qua lại cực kỳ chặt chẽ giữa họ, thật khó để phân biệt nhiều tác phẩm của họ. Tuy nhiên, Georges Braque ít quan tâm đến màu sắc hơn Pablo Picasso cho đến khi sự nghiệp của ông tiến xa hơn. Một điểm khác biệt nữa là Braque không tham gia vào chính trị trong Cubism của mình, chủ yếu tập trung vào các tác phẩm tĩnh vật bao gồm nhạc cụ và bình rượu. Ngược lại, Picasso thường xuyên bao gồm các tham chiếu xã hội và chính trị.
Một số tác phẩm chính của Georges Braque bao gồm “Fruit Dish” (1908-9), “Pitcher and Violin” (1909-10), “The Guitar” (1909-10), và “Violin and Candlestick” (1910).
Jean Metzinger
Jean Metzinger (1883-1956) sống tại Paris trong thời kỳ phát triển Cubism của mình. Là một họa sĩ nhưng cũng là một nhà lý thuyết có ảnh hưởng, Metzinger đã đảm nhận một vai trò quan trọng trong Cubism Phòng Trưng Bày, tức nhóm các họa sĩ Cubist thường xuyên trưng bày tác phẩm tại Paris vào đầu những năm 1910, không giống như Pablo Picasso và Georges Braque.
Các nghiên cứu lý thuyết của Metzinger đã thông báo một cách tiếp cận có hệ thống hơn đối với nghệ thuật của ông. Đặc biệt, ông đã sử dụng hình học, phân mảnh và nhiều quan điểm. Chính các hình thức hình học của ông đã đặt toán học vào trung tâm nỗ lực của mình, đặc biệt là trong giai đoạn Cubism Pha Lê khi ông lọc hình dạng thành sự tinh khiết của hình học mà không hoàn toàn chuyển sang trừu tượng.
Cubism sớm của Jean Metzinger là phân tích nhưng các hình thức của ông linh hoạt và đầy sức sống hơn so với những người tiền nhiệm của mình, Picasso và Braque. Giống như giai đoạn phân tích của Picasso và Braque, Cubism của Metzinger thường khó phân biệt khi so sánh với của đối tác nghệ thuật (và lý thuyết) của mình, Albert Gleizes.
Jean Metzinger, “Binh sĩ Chơi Cờ”, 1914-5, sơn dầu trên vải, kích thước 32 x 24 inch, Bảo tàng Nghệ thuật Smart, Đại học Chicago.
Trái ngược với Cubism của Pablo Picasso và Georges Braque, Jean Metzinger (và Albert Gleizes) bị ảnh hưởng nhiều hơn bởi truyền thống nghệ thuật, với chủ đề thường là cổ điển hoặc ít nhất là ẩn dụ. Metzinger và Gleizes đã cùng xuất bản bản tuyên ngôn của Cubism, “Du Cubisme” vào năm 1913. Trong cuốn sách này, hai tác giả đã trình bày một khái niệm cổ điển của Plato về mối quan hệ giữa hình thức và ý tưởng: “… nhận ra một hình thức là xác minh một ý tưởng đã tồn tại trước đó…”
Từ khoảng năm 1912, Jean Metzinger bắt đầu đặt trọng tâm ngang nhau vào màu sắc và hình thức, trong khi trước đó ông tập trung vào hình thức. Trong giai đoạn Cubism Pha Lê, ông đã phát triển các mặt phẳng chồng lên và giao nhau và tiếp tục tinh lọc các cấu trúc trừu tượng. Các hình thức của ông đã được đơn giản hóa vào thời điểm này và ông đã từ bỏ những gì mà nhà phê bình nghệ thuật đương thời Maurice Raynal gọi là “các kỹ xảo của bảng màu,” tức là các hiệu ứng hội họa.
Một số tác phẩm chính của Jean Metzinger bao gồm: “Le Goûter” (1911), “At the Cycle-Race Track” (1912), và “Soldier at a Game of Chess” (1914-5).
Albert Gleizes
Albert Gleizes, “Những Người Tắm”, 1912, sơn dầu trên vải, kích thước 48 x 67 inch, Bảo tàng Nghệ thuật Hiện đại của Thành phố Paris.
Rất nhiều điều người ta nói về Cubism của Jean Metzinger cũng có thể áp dụng cho Albert Gleizes (1881-1953), người bạn thân cận của ông tại Paris. Gleizes chia sẻ cách tiếp cận nghiêm ngặt của Metzinger đối với Cubism dựa trên toán học và đã hình thành nghệ thuật của mình tương ứng, tập trung vào hình thức hơn là màu sắc trong nhiều tác phẩm của mình.
Albert Gleizes sử dụng các hình dạng giao nhau và chồng chéo để tạo ra động lực trong tranh của mình nhắc nhớ đến Cubism của Picasso. Tuy nhiên, nghệ thuật của Gleizes được cấu trúc một cách hợp lý hơn so với của Picasso. Ngay cả trong các tác phẩm với chủ đề yên tĩnh như “Woman with Phlox” từ năm 1910, Gleizes đã đạt được thông qua phương pháp của mình một chuyển động toàn cảnh và quan điểm động mà che giấu sự neo đậu của người phụ nữ ngồi ở trung tâm.
Trong “The Bathers” của năm 1912, Albert Gleizes tham gia vào chủ đề cổ điển truyền thống về phụ nữ tắm. Cả ông và Metzinger đều hướng tới việc đóng góp cho truyền thống cổ điển và thậm chí thấy trong nghệ thuật của họ là sự kết thúc của nó.
Trong “The Bathers”, thiên nhiên hơn là một bối cảnh phía trước mà cảnh phụ nữ tắm được đặt. Các hình dạng của Gleizes hoàn chỉnh và thông thường hơn so với của Metzinger, và họa sĩ này sử dụng ít góc cạnh hơn trong cách diễn đạt các chi. Không giống Metzinger, những người phụ nữ của Gleizes có đặc điểm khuôn mặt, dù chỉ là cơ bản: đây là những người phụ nữ cá nhân. Trong “The Bathers”, cũng có một sự xung đột giữa chủ đề cổ điển hóa và nền của các ống khói nhà máy. Sự đối lập này giữa truyền thống và hiện đại là một ví dụ trực quan về mục tiêu của các họa sĩ Cubism Phòng Trưng Bày: hoàn thành truyền thống phương Tây trong nghệ thuật. Trong bức tranh này, có nhiều cảm giác hơn so với của Metzinger về ảnh hưởng của lịch sử mà nghệ sĩ Cubist tác động và xây dựng. Ở Metzinger có sự vắng mặt của lịch sử, trong khi đó Gleizes tiết lộ sứ mệnh thẩm mỹ và lịch sử của Cubism của mình ở đây.
Một số tác phẩm chính của Albert Gleizes bao gồm: “Woman with Phlox” (1910), “The Bathers” (1914), “Woman with Animals” (1914), “Composition for ‘Jazz'” (1915), và “Woman with Black Glove” (1920).
Juan Gris
Juan Gris, “Người Phụ Nữ với Đàn Mandolin, theo Corot”, 1916, sơn dầu trên vải, kích thước 36 x 24 inch, Bảo tàng Nghệ thuật Kunstmuseum, Basel.
Sinh ra ở Madrid, Juan Gris đã dành phần lớn sự nghiệp nghệ thuật của mình tại Paris, nơi ông có mối liên hệ với cả Pablo Picasso và Georges Braque một mặt, và các họa sĩ Cubism Phòng Trưng Bày mặt khác. Đến năm 1906, Gris đã sống tại Paris, nơi ông kết bạn với Henri Matisse, Georges Braque, Jean Metzinger và sau đó là Pablo Picasso. Gris bắt đầu hội họa vào năm 1911, sau nhiều năm làm họa sĩ vẽ tranh biếm họa.
Khi Juan Gris thấy tác phẩm “Le goûter” của Jean Metzinger vào năm 1911, ông đã có một khám phá, và nhận ra tầm quan trọng của toán học, theo nhà sử học nghệ thuật John Richardson. Nhận thức này đã thấm nhuần vào nghệ thuật sau này của Gris, người đã phát triển một cấu trúc lưới đặc trưng để đưa trật tự vào các biểu diễn của mình.
Nhà sử học nghệ thuật Peter Brooke cho rằng nghệ thuật của Juan Gris có “tính hợp lý và đo lường” hơn Cubism phân tích của cả Pablo Picasso và Georges Braque. Điều này chắc chắn là đúng, nhưng Cubism của Gris đã phát triển từ một cách xử lý hình thức chưa có tính toán trong các tác phẩm như “Houses in Paris” (1911), nơi hiệu ứng bóng và kỹ thuật hội họa được giảm thiểu. Sau giai đoạn phân tích, Gris cũng phát triển mối quan tâm về màu sắc, đặc biệt là trong các âm sắc tươi sáng, bị ảnh hưởng bởi Chủ nghĩa Fauvism của người bạn Henri Matisse.
Vào năm 1916-1917, Gris đã bước vào giai đoạn Cubism Pha Lê của mình. Trong thời gian này, ông tinh chỉnh cách tiếp cận toán học của mình, vẽ các hình dạng hình học đơn giản và kết hợp các đối tượng và hình dạng với nền của chúng. Hình học là điểm xuất phát cho các biểu diễn của ông và là nền tảng cho sự kết hợp các yếu tố khác biệt thông qua việc làm phẳng không gian tranh.
Một số tác phẩm chính của Juan Gris bao gồm “Houses in Paris” (1911), “Portrait of Picasso” (1912), và “Woman with a Mandolin, after Corot” (1916).
Những phong trào nghệ thuật nào đã ảnh hưởng đến Chủ nghĩa Lập thể?
Các phong trào nghệ thuật đã ảnh hưởng đến Chủ nghĩa Lập thể bao gồm nghệ thuật châu Phi và Iberia, Chủ nghĩa Ấn tượng, và Paul Cézanne.
Về ảnh hưởng của mặt nạ châu Phi và điêu khắc Iberia, tác phẩm Proto-Cubist của Pablo Picasso có tên “Les Demoiselles d’Avignon” là biểu tượng nhất. Như vậy, chúng có thể là ảnh hưởng gián tiếp hơn đến điểm khởi đầu của Chủ nghĩa Lập thể nhưng không kém phần quan trọng. Mặt nạ Dogon của Tây Phi hoặc mặt nạ Ngil từ Gabon và Cameroon có những điểm tương đồng nổi bật với một số khuôn mặt trong “Les Demoiselles d’Avignon”, trong khi điêu khắc Iberia trước La Mã với toàn bộ sự bí ẩn và tính phi cảm xúc của nó cũng góp phần tạo nên ảnh hưởng của bức tranh. Những bức tượng từ cả hai truyền thống này đã được Picasso chứng kiến tận mắt tại Bảo tàng Trocadéro ở Paris vào đầu những năm 1900.
Trong sự nổi loạn chống lại quyền lực và thẩm mỹ của phong cách hội họa Học viện thống trị thế kỷ 19, Chủ nghĩa Ấn tượng là tiền thân của Chủ nghĩa Lập thể. Chủ nghĩa Ấn tượng đã loại bỏ quan điểm tuyến tính cổ điển và bố cục khép kín. Yếu tố sau cùng này đã được Chủ nghĩa Lập thể khám phá và vi phạm cùng với các họa sĩ Ấn tượng, khi nó hoàn toàn lật đổ quan điểm một điểm cổ điển để thay vào đó là quan điểm đa diện hoặc chuyển động.
Paul Cézanne, người được coi là không thể phân loại rộng rãi trong lịch sử nghệ thuật cuối thế kỷ 19, đã có ảnh hưởng lớn đối với hầu hết các họa sĩ Lập thể. Đặc biệt, cách điều chỉnh độc đáo của ông đối với hình thức và không gian vượt ra ngoài những gì trực tiếp nhìn thấy đã rất quan trọng và mạnh mẽ đối với các họa sĩ Lập thể. Ngoài ra, hiệu ứng ba chiều của Cézanne và cách ông thể hiện các đối tượng dường như ‘điêu khắc’ trong nhiều quan điểm hoặc quan điểm chuyển động đã chứng minh là có tính hình thành.
Nguồn: artchive.com
Responses