Phong cách thay đổi theo chu kỳ—lịch sử giúp chúng ta hiểu rõ hiện tại và dự đoán xu hướng trong tương lai. Quá khứ là nguồn cảm hứng vô tận về hình thức, khái niệm và triết lý, làm cho sự hiểu biết sâu rộng về lịch sử thiết kế trở nên thiết yếu cho sự đổi mới phong cách.
Hiểu biết về lịch sử thiết kế cung cấp bối cảnh cho văn hóa thị giác đương đại—chúng ta có thể dùng quá khứ để giải mã hiện tại và dự báo các xu hướng phong cách trong tương lai.
Great Wheel of Style, Lorraine Wild, 2000
Một trong những mô hình tiêu biểu nhất minh họa cho ý tưởng này là “Great Wheel of Style” của Lorraine Wild, mô tả cách phong cách liên tục luân chuyển giữa văn hóa cao và thấp như một dòng chảy ngầm.
Trong một cuộc phỏng vấn với tạp chí Eye vào năm 2000, Wild lập luận rằng phong cách và khái niệm “thiết kế tốt” được công nhận rộng rãi luôn gắn bó chặt chẽ với nhau: Thiết kế tốt khơi gợi sự hứng thú và nhanh chóng được thị trường đại chúng đón nhận, từ đó bị chiếm đoạt và phổ biến một cách hời hợt, tách rời khỏi ngữ cảnh ban đầu. Hệ quả là sự biến thành sáo rỗng, gây bẽ mặt, rồi dẫn đến sự suy tàn, tiếp theo là giai đoạn tôn sùng, hồi sinh và sự tò mò mới mẻ.
Nhưng thiết kế tốt thực chất là gì nếu không phải là một khái niệm chủ quan và đầy khuyết điểm? Khi thiết kế và ngữ cảnh gắn kết mật thiết với nhau, đó là khi thiết kế đạt đến sự hoàn hảo. Ngược lại, khi thiết kế bị tách rời khỏi ngữ cảnh của nó, chúng ta chỉ còn lại những sáo rỗng, sự bẽ mặt và sự lụi tàn.
“Great Wheel of Style” của Wild minh họa sự dao động của thiết kế từ chỗ hấp dẫn đến chỗ thiếu sáng tạo. Đây là một lời nhắc nhở quan trọng cho các nhà thiết kế và sinh viên thiết kế ngày nay: khi bạn mượn hay tham khảo một phong cách, điều tối quan trọng là phải hiểu rõ nguồn gốc của phong cách đó, cùng với các bối cảnh xã hội và văn hóa đã nuôi dưỡng và phát triển nó.
Kiến trúc thiết kế theo phong cách Memphis, nhóm Memphis, 2011
Một ví dụ kinh điển về chu kỳ phong cách này chính là Nhóm Memphis. Vào những năm 1970, khi Ettore Sottsass rời khỏi “Corporate Italy” và từ bỏ vị trí thiết kế không gian văn phòng mô-đun tại Olivetti, ông đã bước vào trung tâm của một làn sóng hiện đại phá cách. Thay vì chọn những công việc thương mại có mức lương cao, ông đã hợp tác với các nghệ sĩ, kiến trúc sư và nhà phê bình tiên phong, bao gồm SuperStudio và Archizoom. Khi đọc tạp chí New Wave WET vào năm 1977, Sottsass đã bị thu hút bởi những thiết kế lòe loẹt của nghệ sĩ gốm Peter Shire. Sự gặp gỡ này đã dẫn đến việc ông cùng Shire sáng lập Nhóm Memphis, một tập thể nghệ sĩ nổi bật với phong cách tưởng chừng như thiếu thẩm mỹ. Những sản phẩm nội thất và đồ vật sống động của nhóm này đại diện cho một sự đoạn tuyệt hoàn toàn với Chủ nghĩa Hiện đại, đưa họ vào trào lưu New Wave với bảng màu rực rỡ, tươi sáng, kết hợp với những hình khối độc đáo, phong cách kitsch hiện đại và tính năng phi thực tế.
Cùng thời điểm đó, các nhà thiết kế đồ họa như April Greiman và Dan Friedman đã mang đến những biến tấu phong cách độc đáo của riêng họ, sử dụng công nghệ và các thí nghiệm trong phòng tối để tạo ra những thẩm mỹ 8-bit đầu tiên trên Macintosh. Thiết kế của Greiman trong giai đoạn này thể hiện sự đào tạo chính quy của cô theo phong cách Thụy Sĩ, kết hợp với cảm hứng từ Nhóm Memphis và trào lưu New Age ở California, phô diễn những màu sắc rực rỡ và các chi tiết lòe loẹt mang đậm phong cách phản thẩm mỹ của New Wave. Tương tự, Friedman cũng phát triển một sự kết hợp tự nhiên giữa sự kỳ quặc và logic thông qua một chủ nghĩa hình thức hiện đại đầy cách tân.
Dự án sơ bộ cho môi trường vi mô, Ettore Sottsass, 1971
Trong vòng một thập kỷ, phong cách này đã bùng nổ từ gốc rễ tiểu văn hóa của nó vào thị trường đại chúng, làm sáng bừng thập niên 1980. Cả David Bowie và Karl Lagerfeld đều đã mua toàn bộ bộ sưu tập Memphis để trang trí cho các căn hộ của họ tại New York và Paris. Những hình thức biểu tượng này trở thành một bộ phận hoàn chỉnh, và chẳng bao lâu sau, mọi bề mặt, nội thất và vải dệt đều mang đậm thẩm mỹ lấy cảm hứng từ Memphis—hãy nghĩ đến các sitcom thập niên 1980 như Saved by the Bell, hay chương trình nổi tiếng thập niên 1990 Pee Wee’s Playhouse.
Đến cuối những năm 80, phong cách này đã chuyển từ trào lưu thịnh hành thành sáo mòn rồi trở nên phổ biến đại trà, nhanh chóng xâm nhập vào các thị trường thông tục nhất như các cửa hàng quà tặng ở sân bay, nơi mà ở bất kỳ trung tâm nào trên cả nước, bạn cũng có thể tìm thấy một chiếc cốc trắng với lưới 2” x 2” chồng lên một hình tam giác màu pastel, kèm dòng chữ “Your City” được viết bằng kiểu chữ Mistral.
Buổi trình diễn thời trang Dior được lấy cảm hứng từ đồ họa và màu sắc của Nhóm Memphis
WET magazine cover by April Greiman + Jayme Odgers and California Institute of the Arts viewbooks
Theo vòng quay của Wild, phong cách Memphis đã vượt ra khỏi thị trường đại chúng, trở thành biểu tượng của sự sáo mòn và đáng xấu hổ. Tuy nhiên, nhanh chóng hai mươi năm sau, sự hồi sinh của phong cách này đã đưa nó trở lại tâm điểm của công chúng. Christian Dior đã tôn vinh phong cách này trong buổi trình diễn thời trang năm 2011 của ông. Supreme đã giới thiệu các bộ ván trượt lấy cảm hứng từ Memphis. Các cửa hàng bán lẻ như American Apparel đã tái hiện lại những hình khối mang tính biểu tượng và kitsch.
Ngày nay, nghệ sĩ đồ họa tại London, Camille Walala, đại diện cho điểm đỉnh hợp lý trong quá trình tiến hóa của phong cách Memphis, nâng tầm phong cách này trở lại văn hóa cao cấp với thiết kế nội thất lấy cảm hứng từ Memphis tại cửa hàng cao cấp Opening Ceremony ở Tokyo.
Theo dõi công việc của Walala—hoặc của Christian Dior, hay thậm chí những bản sao thiếu sáng tạo của Supreme—về nguồn gốc của chúng, làm sáng tỏ ảnh hưởng của thị trường đối với phong cách và hình thức. Chúng ta đều biết rằng phong cách chuyển từ cao cấp xuống bình dân và rồi trở lại cao cấp, nhưng việc xác định bối cảnh của một phong cách sẽ nuôi dưỡng khả năng hiểu biết về hình ảnh và dẫn dắt sự đổi mới. Điều này không chỉ cần thiết cho sự đổi mới thẩm mỹ mà còn cho cả thiết kế tốt. Chúng ta chỉ có thể tránh được sai lầm của Andy trong The Devil Wears Prada khi xem xét ngữ cảnh.
Để có một ví dụ khác, hãy nhìn vào chiến dịch Want It năm 2009 cho Saks được thiết kế bởi Studio Number One của Shepard Fairey, với sự bắt chước kỳ lạ phong cách Constructivism, tái chế không chỉ ngôn ngữ hình ảnh mà còn cả tinh thần sáng tạo.
Vào cuối những năm 1910 và đầu những năm 1920, Chủ nghĩa Kiến tạo (Constructivism) nổi lên từ một phong trào do nhà nước Liên Xô tài trợ nhằm phổ biến học thuyết chính trị. Chủ nghĩa tập thể, tính phổ quát, tính thực tiễn, công nghiệp và sự tinh khiết đã khắc họa viễn cảnh utopia mới của Liên Xô, với bảng màu đỏ, đen và trắng đơn giản hóa của chủ nghĩa Cộng sản. Các thiết kế mang tính biểu tượng như “Đánh bại Bạch vệ bằng Nêm đỏ” của El Lissitzky và bố cục cho “For the Voice” của Vladimir Mayakovsky, đều sử dụng những sọc đỏ và đen đậm nét, các hình dạng cơ bản, và hình ảnh tạo nên một ngôn ngữ phổ quát nhằm thu hút quần chúng nông dân mù chữ. Chữ viết được thiết kế để vừa nhìn thấy vừa nghe được. Những hình thức được bố trí một cách năng động này gợi lên tầm nhìn về một thế giới mới, được “xây dựng” thông qua một kiến trúc hình ảnh hoàn toàn mới.
Không giống như Nhóm Memphis, phong cách Chủ nghĩa Kiến tạo đã bị bóp nghẹt dưới sự áp đặt của Chủ nghĩa Hiện thực Xã hội chủ nghĩa trong thập niên 1930 của Stalin và do đó không bao giờ đạt đến dòng chảy chính. Nó đã lẩn tránh được sự sáo mòn, bẽ mặt, và cái chết trên “Great Wheel of Style”. Tuy nhiên, qua nhiều thập kỷ, phong cách này vẫn được tôn sùng và hồi sinh. Một ví dụ nổi bật là thiết kế của Neville Brody cho tạp chí The Face trong thập niên 1980, trông như một trang sách của Mayakovsky, với kiểu chữ có đường kẻ dày, dấu hướng và những thao tác chữ độc đáo vừa mang tính ngôn ngữ vừa mang tính đồ họa.
Tuy nhiên, trong khi thiết kế của Brody không phải là sự sao chép hoàn toàn Chủ nghĩa Kiến tạo, mà là một sự tôn kính đối với cách tiếp cận chống lại tập đoàn và chống lại hệ thống, thì chiến dịch quảng cáo của Studio Number One cho cửa hàng bách hóa cao cấp lại sao chép nó một cách chính xác. Các thông điệp bằng tiếng Anh được viết bằng các kiểu chữ hình học lấy cảm hứng từ chữ Cyrillic để gợi nhớ đến kiểu chữ Nga. Ảnh chụp đen trắng của chiến dịch này mô phỏng ảnh của Alexander Rodchenko về những thanh niên Cộng sản tràn đầy nhiệt huyết đang hướng về một tương lai lý tưởng.
Chiến dịch WANT IT của Saks, Studio Number One, 2009
Chiến dịch WANT IT của Saks, Studio Number One, 2009
Kino Glaz (Film Eye), Alexander Rodchenko, 1924.
Thoạt nhìn, việc một nhà bán lẻ cao cấp như Saks áp dụng phương pháp Chủ nghĩa Kiến tạo để bán thời trang cao cấp cho các khách hàng thượng lưu của họ dường như hoàn toàn phá hoại sứ mệnh ban đầu của Liên Xô—nó hoàn toàn không phù hợp với ngữ cảnh. Thực tế, sự tôn sùng và hồi sinh phong cách có thể trở nên nguy hiểm khi phong cách bị tách rời khỏi nguồn gốc xã hội hoặc chính trị của nó. Tuy nhiên, khi xem xét kỹ hơn, chiến dịch Want It về lý thuyết đã kích thích nền kinh tế trong thời kỳ suy thoái năm 2008.
Studio Number One đã chiếm đoạt tinh thần của Chủ nghĩa Kiến tạo để khơi dậy niềm tin yêu nước thông qua việc trích dẫn phong cách một cách không biện hộ. Theo nhiều cách, Studio Number One đã khéo léo vượt qua thị trường với một thái độ mà các hình thức bắt chước thấp hơn không thể đạt được. Mặc dù có gần một trăm năm ngăn cách giữa các chiến dịch của Chủ nghĩa Kiến tạo và Studio Number One, một màn trình diễn lặp lại của nghệ thuật và chính trị đã hội tụ, và bối cảnh lại xuất hiện một lần nữa. Studio Number One đã chủ ý vượt qua “Great Wheel of Style”, trở lại đúng nguồn gốc của thiết kế tốt.
Đối với các nhà thiết kế cảm thấy như mọi thứ dưới ánh mặt trời đã được thực hiện, chu kỳ phong cách mang lại một loại đảm bảo kỳ lạ: nó đã được thực hiện và sẽ tiếp tục được thực hiện. Hiểu điều này làm nổi bật tầm quan trọng của lịch sử thiết kế. Việc nắm vững lịch sử nuôi dưỡng tính sáng tạo và củng cố sự đổi mới sáng tạo—một điều kiện tiên quyết cho bối cảnh hậu hiện đại, siêu tiếp xúc và siêu truy cập của chúng ta hiện nay. Trách nhiệm vẫn thuộc về chúng ta trong việc chuyển ngữ quá khứ để trở thành những nhà đổi mới thực thụ.
Nguồn: eyeondesign.aiga.org
Responses